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[Fotografía: Agustín Medrano]

El de Marcelo Pellizo es un caso clínico bastante curioso: tiene la cabeza llena de monstruos. Pero su forma de librarse de ellos no pasa por recostarse en un diván y hablar hasta determinar su origen, sino dibujarlos. Sobre un papel, un lienzo o una pared, dibujarlos.

Y así van coexistiendo con él, amistosamente, apropiándose del espacio hasta ser parte indivisible de su vida. “El concepto madre de mis monstruos es el Cuco, viene de ese imaginario infantil donde uno piensa en cosas indefinidas –explica sobre sus trabajos el mismo Pellizo–.

Algo mitad hombre, mitad bestia; que a su vez es amigo, pero te da miedo. Esa cuestión psicológica de la niñez, de los amigos imaginarios. Viene un poco por ahí, es como sacar esa cuestión bastante cruda que uno tiene adentro y llevarla a un plano lúdico. Como el movimiento del toy art, el diseño de juguetes para adultos, recuperar el aspecto infantil de lo lúdico, pero con una mirada más irónica, más relacionada a cuestiones de adultos, como hablar de la muerte o el sexo. Y a la vez tiene mucho de naif, la intención no es generar pánico.”

Trabajar es un placer

La charla se desarrolla en Espacio Canvas, un estudio-escuela de Alta Córdoba en el que el ¿diseñador? ¿artista? ¿dibujante? busca instaurar un lugar de convivencia interdisciplinaria. Es evidente que encasillar su labor plantea un desafío.

“El mundo del diseño está en un estado de crisis en cuanto a la identidad, y eso viene por el hecho de que hay demasiadas alternativas, mucha diversidad de cosas dando vueltas. Algo que nos caracteriza a los diseñadores gráficos, fotógrafos o artistas plásticos es la curiosidad, que hoy en día está magnificada por la facilidad de la obtención de la información. Hay una fascinación por investigar, por querer saber qué pasa en otros lugares. Todo eso hace que quieras realizar un poco de todo. Esto nos divierte, nos cuesta asumir que es un trabajo. Veinte años atrás, el diseñador era un profesional con un rol muy específico y muy claro, ahora hay dudas hasta de cómo se denomina a sí mismo. Hace un tiempo, le preguntaron a un diseñador, mientras hacía un mural, cuál era su actividad. Él respondió que era un diseñador multidisciplinario: me identifico con eso, más que decir que soy diseñador que además dibujo o pinto.”

Referentes

“Estoy un poco decepcionado de mis referentes. Si bien en Argentina el diseño tiene cerca de 50 años, es como si todavía no encontrara una postura definida.

Hoy te encontrás con que muchos de los que ayudaron a construir parte de nuestro campo teórico, están en clara contradicción a lo que siempre dijeron. Algo lógico en alguien que quizá está en una situación de crecimiento o haciendo sus primeras experiencias, pero no para referentes que supuestamente tiene las cosas muy claras.

Notar esos cambios de posición me hacen ruido, sobre todo viniendo de gente como Norberto Chaves que hace 15 años proponía cosas que hoy critican. Creo que nuestro marco teórico debería ser revisado, no podemos trabajar con conceptos de hace 20 o 30 años cuando la comunicación tenia otro contexto, otro alcance.”

“Shigeo Fukuda –continúa Pellizo y muestra un autógrafo del japonés– es reconocido como uno de los diseñadores que mejor supo conjugar el arte dentro del diseño. No era un diseñador que tuviera un discurso teórico, sino que simplemente mostraba su postura a través de su obra.

Por esa coherencia y simpleza en su trabajo es uno de mis pocos referentes, de los que me dejaron una huella.”.

¿Y en casa cómo andamos?

Una de las aristas del diálogo pasa por las posibilidades concretas de trabajar del diseño en Córdoba. ¿Cómo viene la mano? “Hay dos respuestas a eso: por un lado está muy difícil para los egresados que tengan una actitud pasiva, sin un portfolio, sin nada que deje a la vista su capacidad y compromiso con el diseño. La segunda respuesta es que Córdoba presenta muchas oportunidades y espacios de trabajo, pero sólo para aquellos que tengan un perfil definido, con mucha producción, experimentación, curiosidad por todo lo que nos influye como comunicadores. Para esta gente no hay limitaciones en cuanto a oportunidades, porque son imprescindibles para el mercado laboral y no únicamente de Córdoba.”

A exponerla

¿Es descabellado pensar en una exhibición de diseñadores gráficos locales en un museo cordobés? ¿Hay apoyo oficial para disciplinas de este tipo? “El apoyo llega en función de la seriedad, la constancia y la coherencia del trabajo de cada uno. Si todavía no llegó apoyo para toda esta movida nueva es quizás porque ni nosotros mismos nos ponemos de acuerdo en cómo presentarnos y generar una continuidad en la obra. En ese sentido, creo que Buenos Aires está mucho más organizado, están logrando mayores espacios, tienen una trayectoria mayor. No digo que estemos haciendo las cosas mal, sino que tal vez nos falta un tiempo de maduración como para que podamos demandar espacios.

Hoy por hoy, reclamar una exposición en un museo sería pretencioso. Nos tenemos que animar a que haya más circuitos y terminar de confirmar nuestro status cultural.”

Finalizada la entrevista, llega el momento de las fotos, en las que Pellizo posará junto a sus diferentes universos gráficos. Por allí reaparecen sus monstruos, en los estantes y las paredes, entrañables criaturitas, observando desde diferentes ángulos cada instancia de la conversación. En Canvas pasan cosas así.

Mirá la tapa que hizo para Circuz

Marcelo improvisó esta tapa en el stand de Circuz, durante el festival ¡De-Acá!

» Seguir leyendo »]]> Juan Pérez Gaudio- Periodista visual

Por Juan D’Alessandro

El autor de la tapa de Circuz 3 nos enseña que, con creatividad, el diseño editorial puede transmitir el concepto de una información para sorprender y enganchar al lector.

En un bar del centro, un viejo panzón engulle una medialuna y abre el diario. Saltea las páginas de política y economía: está buscando el suplemento deportivo, porque a la noche se enfrenta la Selección contra Brasil en Rosario. De repente, entre sus manos aparece una pintura renacentista del siglo XV. Levanta las cejas y pone cara de ¿qué hace “El Infierno” de Lucas Signorelli en la tapa de Deportes de La Voz? Entonces mira bien y comienza a entender.

Juan Pérez Gaudio trabaja en La Voz del Interior; lo contrataron para hacer diseño gráfico. “Yo sólo hago fotomontajes”, asegura; pero no dice que, a fuerza de laburo, está estirando los límites que las empresas periodísticas imponen a los diseñadores, buscando nuevos horizontes, dejando de ser un diseñador gráfico que maqueta un diario para convertirse en otra cosa: un verdadero periodista visual.

En una época en la cual la prensa se ve seriamente amenazada por la inmediatez y la gratuidad de Internet, cuando la tirada de los grandes diarios disminuye en todo el mundo, cientos de jóvenes comunicadores –amantes del diario-objeto– trabajan buscando alternativas que revitalicen el periodismo gráfico. Y de la mano del arte y la publicidad, Juan P. G. hace su aporte desde Córdoba.

“Los análisis que anuncian que la prensa gráfica va a desaparecer no son erróneos, si consideramos que no va haber un cambio. Si continúa como hoy, la prensa va a durar hasta que se mueran los últimos lectores tradicionales. Pero por suerte se está dando un recambio de lectores, y yo trato de hacer un diario para ellos”, advierte Juan.

El periodista visual busca despertar emociones, porque “lo que genera emoción es lo que llega”. Por eso, Juan P. G. busca el concepto de la noticia y trata de trasmitirlo con simpleza. Esto lo arrastra de la publicidad. Comenzó a estudiar Publicidad en la UE y terminó en el IES; mientras tanto, se formó en la agencia Contacto. “Siempre miraba el trabajo de los chicos de diseño, aprendía de ellos”, recuerda. Mientras más se iba desencantando de la publicidad, más le gustaba el diseño y el periodismo.

En el año 2000, un profesor de periodismo gráfico del CUP, Juanchi González, lo convocó para que le enseñe a sus alumnos a utilizar el Quark X Press. En esas clases, Juan Pérez Gaudio comenzó a integrar sus conocimientos de diseño y publicidad con el periodismo; se volvió un estudioso del diseño editorial y cinco años más tarde lo llamaron para cubrir una suplencia de verano en La Voz. No se fue más. “No dejes de nombrarlo a Juanchi, él fue quien me metió en esto”, pide Juan, agradecido con su mentor.

El futuro de la prensa. “Como los diarios salen un día después de que ocurran los hechos, la gente ya sabe lo que pasó: lo escuchó en la radio, lo vio en el noticiero, lo buscó en Internet. Por eso, el diario como mero documento periodístico deja de tener la importancia que tenía antes. Tenemos que darle un valor agregado a la noticia, debemos lograr que el lector conserve ese diario un tiempo más”, dice el periodista visual.

Juan P. G. está convencido de que “lo artístico y lo literario van a ser muy importantes en el nuevo periodismo gráfico”. “Hay que contar historias, la vivencia del periodista suma mucho, a la gente le interesa cómo hizo para llegar a la información; y lo gráfico debe ser fundamental, hay que darle valor al arte, respetar los blancos, buscar un equilibrio gráfico”, recomienda.

Según Juan P. G., el diseñador debe servirse de la cultura para resolver una página. Ocurre que hoy en día, los diseñadores están comenzando a redactar: “Ya me dejan ponerle título a mis gráficas. Antes sucedía que yo trabajaba con un concepto, y si el periodista titulaba siguiendo otro, ambos trabajos perdían sentido”.

Juan P. G. cuenta con la ventaja de saber cómo trabajar con un concepto para generar sorpresa. Los trabajos que presentamos en estas páginas, la misma tapa de esta edición de Circuz y la apertura del fotorreportaje de Martín Baez lo confirman. “El periodismo gráfico no se está muriendo, sólo está viviendo una época de transición, de la que, por suerte, me siento parte”, asegura el periodista visual.

Algunos de sus trabajos

De mi época en el CUP. En el 2004 se me ocurrió fundar una revista periodística que llevara por nombre un extracto de una de las frases de mi viejo. La tapa debía transmitir el concepto general de la nota. Fotomontaje de “mear fuera del tarro”.

De mis trabajos para Día a Día junto a Dante Leguizamón, creador del proyecto, un tapa de Casos Policiales. El desafío era contar desde la portada el concepto del hecho. La precaución, tener cuidado con el sensacionalismo y lo amarillo.

Cada vez que hay un partido importante, en el diario hacemos una previa en la tapa de Deportes. La idea siempre es sorprender al hincha y generar una gráfica con cierto valor artístico que haga que el diario dure más en las manos del lector.

La previa de Argentina-Brasil. 50 años de historia futbolera reflejados en la tapa del sábado 5 de septiembre. Tres semanas de trabajo (pensando las gráficas y los títulos) y la generosidad de Gustavo Aro y Sergio Suppo para publicar ambos trabajos.

“Una vez fui loro de Atenas”

Juan tenía 17 años y la pieza empapelada de verde. Siempre iba a la cancha, y un día, un amigo que hacía la revista Atenas le pidió uno de esos favores realmente jodidos. El estadio estaba repleto y el tipo que tenía que ponerse el traje del loro no aparecía. Juan logró sacudirse su timidez; el amor por los colores del Griego le ayudó a calzarse el enorme traje y salir a la cancha saltando y agitando las alas.

“Se ve que a ese traje nunca lo lavaron”, reflexiona hoy el diseñador. Tenía una baranda milenaria y, para peor, el calor de noviembre no ayudaba. Cuando Juan, emplumado, pensaba que nada podía ser peor, comenzó a escuchar el durísimo cantito que bajaba de las gradas. “O-le-le, o-la-la, el loro se la come, la hinchada se la da”. Por lo menos los hizo cantar.

Quién es

Hijo de Miguel, periodista y rector del Colegio Universitario de Periodismo (CUP). Profesor universitario de las cátedras Técnicas de la Comunicación Gráfica e Informática Aplicada a la Gráfica. Diseñador del diario La Voz del Interior. Colaborador del diario Día a Día.

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Con la misión de crear la tapa del mes, este fotógrafo nacido en el interior de córdoba, experimenta con una técnica bastante particular. Aunque de bajo perfil y aislado del circuito comercial por decisión propia, permitió que Circuz explorara algunas de sus muestras más interesantes. Pasen y vean a un verdadero fotógrafo de las sombras.

Las series que verás a continuación fueron desarrolladas gracias a una técnica denominada heliografía, la cual se basa en plasmar una imagen sobre un soporte que posee una emulsión fotosensible. El modus operandi que emplea Repetto para obtener dicho registro fotográfico, es mediante la proyección directa de sombra durante una cantidad de tiempo determinada.

Este material es utilizado en la reproducción de planos de arquitectura, aunque casi ha caído en desuso. Su baja sensibilidad fotográfica da lugar a poses muy prolongadas frente al papel virgen. Así, sostener un gesto mínimo se vuelve una misión incómoda o insoportable de la que sólo queda un registro discreto y frágil.

Muestra: Ombretipo

9 horas y 30 minutos de sueño nocturno demandó esta obra sobre una plataforma rígida. El registro se realizó sobre el papel heliográfico por proyección directa de sombra. La “cama fotosensible” medía unos 90 centímetros de ancho por 190 centímetros de alto.

Transcurrido ese lapso, vemos la figura del sujeto, seguida por múltiples capas que además dan una sensación de movimiento gracias a la prolongada exposición. Esta pieza fue generada durante la III Bienal de Arte Emergente, en el Centro Cultural España Córdoba.

Muestra: Estilitas

8 horas y 35 minutos de pose erguida sobre una plataforma de madera. Performance y registro sobre un papel heliográfico de 120 x 300 centímetros, también por proyección directa de sombra. Esta pieza fue realizada en vivo en la sala del Cabildo Histórico de Córdoba.

“La serie de las heliografías es un proyecto dinámico donde cada pieza responde a diferentes planteos conceptuales, generando variaciones procesuales y nuevas experimentaciones”, sentencia el fotógrafo. Y si él lo dice, debe ser así.

Muestra: Desnudo

2 horas y 40 minutos de pose sentada. Otra performance realizada en vivo en la sala de exposiciónes de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Córdoba. Protagonizada por una modelo de la cátedra de Dibujo para las clases de figura humana.

¿Por qué experimentar con la heliografía?

“Esta apelación deliberada a la austeridad tecnológica plantea una resistencia moderada ante ciertas exigencias actuales con las piezas fotográficas y propone dar cuenta del contexto de producción particular de la obra”, asegura el artista.

Gerardo Repetto

Nació en 1976, en Villa Huidobro, provincia de Córdoba.

Egresó como Fotógrafo de la Escuela de Artes Aplicadas Lino Enea Spilimbergo en 1998. Desde 2000, se desempeña en la fotografía experimental, realizando cruces con otras disciplinas.

Ha expuesto individual y colectivamente en varios países (Argentina, Estados Unidos, Brasil, España), además de recibir múltiples reconocimientos como la Beca Fondo Nacional de las Artes, de Perfeccionamiento para Artistas y Escritores del Interior del País, en 2005; la Beca FotoFest, para asistir al Internacional Meeting Place, Houston, Estados Unidos, en 2006; y la nominación al premio KLM Paul Huf Award 2007, organizado por el Foam_Fotografiemuseum Amsterdam, Holanda. Actualmente vive y trabaja en Córdoba Capital.

Ver galería.

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El autor de la tapa 1 de Circuz es ilustrador y diseñador gráfico. Trabajó para Romero Victorica, Buya-MD y fue director creativo en Gastardelli. Hoy labura como freelance desde las Sierras de Córdoba y dicta un taller de creatividad. Con ustedes, un bicho raro.

Son las 9 de la mañana de un sábado en Río Ceballos. Bajamos la ventanilla y preguntamos a un grupo de viejecitas: “Disculpen, ¿nos pueden indicar dónde está el Casino?”. Nos miran mal. Andrés Manta nos pidió que lo esperemos ahí, para no perder tiempo buscando su casa. Media hora más tarde se lo ve bajar por una callecita, destruido. “Es que salimos anoche y me acosté a las siete; en casa quedaron algunos cadáveres que no se pudieron levantar”, avisa, como para que no nos impacten los restos de sus amigos desparramados por los sillones.

Manta es ilustrador, diseñador gráfico y músico. Trabajó en Romero Victorica –agencia en la que, según él, hizo algunos de sus mejores diseños– y en Gastardelli, donde llegó a ser director creativo. Después, se enojó con la profesión y abandonó el mundo de las agencias. Hoy vive en las Sierras, tranquilo, labura como freelance para “empresas con problemas de   tiempo” y se dedica a lo que más le apasiona: crear.

Su casa es un verdadero búnker del arte. Pinturas, dibujos y esculturas de su autoría cuelgan de los muros y del techo, caóticamente. Mucho color, distintas texturas y un exquisito desorden se conjugan para que la Manta-cueva tenga una personalidad inconfundible. Todo está tuneado, incluso una amarga silla de plástico cayó víctima del pincel desbordado del artista y ahora parece un cuadro con patas sobre el que da pena sentarse.

Dos perros fracasados –de esos que “son capaces de estirarse en un umbral, para que los barran junto con la basura”, a decir de Oliverio Girondo– se desemperezan entre las esculturas de madera mientras Manta prepara el mate. Nació en Uruguay, y cruzó el Río persiguiendo a una cordobesa. En su casa natal, en Montevideo, todos dibujaban. “Mis viejos tenían un taller de expresión artística, se llamaba La Gaviota. El arte era cotidiano, mis dos hermanos y yo nacimos con un lápiz en la mano”, cuenta el dibujante  que más tarde aprendió a ser diseñador gráfico.  “Yo quería dibujar siempre, pero hice un curso de diseño porque sabía que iba a ser difícil”. A los 17 años entró como pasante a una agencia de publicidad. “Era increíble. Un tipo dibujaba las fuentes a mano, había otro que usaba el aerógrafo para pintar, era un departamento de arte de la vieja escuela, antes de que se imponga la computadora como herramienta”, recuerda con melancolía.

Luego trabajó en cinco agencias más antes de venir a Córdoba, arrastrando desde su tierra una mochila cargada de mar, arena y murga.

Manta está muy agradecido por el arte que mamó de chico. “Para mí, la base es la ilustración. Yo creo que las ideas se resuelven en papel primero. La compu te desvía”, aconseja. A contramano de los que aseguran que “con la máquina se puede hacer todo”, Manta sorprende encontrándole “limitaciones”.

“El problema es que a la compu le falta imperfección, no se equivoca; entonces, al aviso le falta eso que lo hace humano“.

Sus obras  y algunos de sus avisos son un verdadero desmadre de “imperfecciones”. Tantas, que al revisar con detenimiento sus trabajos se hace difícil advertir un estilo único que los enlace: las obras de Manta parecen hechas por 10 personas distintas, todas metiendo la mano en el lienzo al mismo tiempo. Felices.

Manta ama el arte que mama. “Soy amante del arte”, declara, orgulloso. Y no se queda en eso. Abre en su casa un taller creativo para todo aquel que quiera “encontrar su conexión con el arte“.  Es ahí cuando Manta te amamanta.

www.amanta.com.ar

Taller de Creatividad

“La creatividad es una herramienta para la vida. Todos somos creativos, pero tenemos que ponerlo en práctica”, asegura Andrés Manta. “Nos gobiernan con la incultura, la gente debe estar atenta, despierta; vivimos un bloqueo cultural. Tenemos que tener ideas propias para reafirmar nuestra identidad”. Por eso, sábado de por medio, a la tarde, abre su casa para que “cada uno desarrolle una forma de expresión que le resulte cómoda”. Valiéndose de “ejercicios para fluir sin límites”, busca que los asistentes resuelvan consignas creativas.

“Panza”, como lo llaman sus amigos, aclara que el taller no tiene un costo fijo, sino que la paga es a voluntad, de acuerdo a lo que cada uno cree que va adquiriendo. “Tengo un latita”, señala.

Con música de fondo

Quienes asistan al taller, podrán escuchar de fondo los ensayos de Sofá, una banda integrada por comunicadores: tres diseñadores y un redactor creativo. “Nos fuimos conociendo en agencias de publicidad”, relata Manta. “Le pusimos así porque hacemos música para escuchar tirado en un sofá”. Se trata de música electrónica, combinada con instrumentos acústicos. Franco le hace a la guitarra acústica y al bajo. Joe, a la compu, el teclado, la guitarra acústica, el bajo y la percusión. Maxi se queda solito con el djembe, mientras el Panza azota el bajo, golpea alguna cosa y, por ahí, hasta se anima a cantar.

www.myspace.com/sofahypnoticsounds